климт какой стиль живописи
Густав
Климт
Густав Климт (нем. Gustav Klimt ; 14 июля 1862, Баумгартен, Австро-Венгрия – 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) – австрийский художник, один из основоположников европейского модерна. Сын гравера и ювелира, с детства выбрал художественную карьеру. Он получил академическое образование в Вене и достаточно долго писал в соответствии с его канонами. За оформление венского театра и музея Климт в возрасте 26 лет получил императорскую награду. Вскоре после этого Густав возглавил бунт молодых австрийских художников против рамок и ограничений академической живописи, основав объединение Венский сецессион. Несмотря на язвительные комментарии и насмешки критиков, Климт до самой смерти оставался любимцем публики, которая охотно раскупала его картины.
Особенности творчества художника Густава Климта : первые заметные произведения мастера были скорее оформительскими. При этом любимой его темой на протяжении всего творческого пути оставалась обнаженная женская натура. Климту удавалось изобразить каждую женщину откровенно сексуальной и чувственной, но при этом избежать пошлости и вульгарности. В конце 90-х годов XIX века в его творчестве начинается так называемый «золотой» период. Произведения этого периода, написанные с использованием настоящего сусального золота, стали самыми знаменитыми и дорогими работами мастера.
Можно с уверенностью сказать, что Густав Климт прожил счастливую жизнь. Он с детства занимался любимым делом и пережил стремительный взлет популярности еще до того, как ему исполнилось 20. Он никогда не нуждался в деньгах, что позволяло ему быть разборчивым в выборе заказов. Наконец, художника всегда окружали восторженные поклонники, любимые женщины и боготворившие его молодые коллеги. Наверняка этот баловень судьбы не удивился бы, узнав, что его картины сейчас считаются признанными шедеврами и продаются за астрономические суммы.
Эволюция и революция
Но в то время подобные группы художников стали появляться по всей Европе, модернисты понемногу отвоевывали себе право быть увиденными и признанными. И Климт, художественный стиль которого в этот период стал неумолимо трансформироваться, как и многие, мечтал избавиться от навязываемых ему правил и требований. На каждый злобный выпад художник Густав Климт реагировал еще более эпатажной картиной. В 1899 году он представил публике «Обнаженную истину», пугающую своей откровенной наготой, прорисованной во всех анатомических подробностях. Густав Климт даже посвятил своим оппонентам отдельную картину, которую так и назвал – «Моим критикам» (1901-1902). Внушительную часть холста занимает пышнотелая рыжеволосая красавица, повернувшаяся к зрителю «пятой точкой» и хитро поглядывающая на него через плечо. Позже мастер дал полотну название «Золотые рыбки».
После скандала с картинами для Венского университета Густав Климт перестал брать крупные государственные заказы. Художник успел накопить довольно приличную сумму денег и вполне мог позволить себе писать только то, что было ему интересно. А интересны ему были в первую очередь женские тела. Несмотря на недвусмысленный эротизм многих полотен, публика принимала их более чем благосклонно, даже самые спорные картины Густава Климта моментально находили покупателей. Именно работы «Золотого периода» («Поцелуй», «Портрет Адели Блох-Бауэр», «Бехтовеновский фриз», «Древо жизни») принесли художнику наибольшую известность, позволили ему выработать и отточить собственный неподражаемый стиль и сделали Климта национальным достоянием Австрии.
Еще одним любимым жанром Климта были пейзажи. Писал он их в основном летом во время отдыха на озере Аттерзе. Они позволяли художнику отрешиться от городской суеты и переключиться на нефигуративную живопись, и при этом сохраняли все черты узнаваемого стиля Климта. Как и большинство своих картин, Густав Климт писал их на квадратных холстах, считая, что такая форма позволяет бесконечно расширять пространство во всех направлениях. В последние годы художник почти полностью переключился на пейзажи. Первая мировая война повлияла на стиль Климта, сделав его полотна более мрачными и тревожными. В это время его больше интересует цвет и орнамент, нежели узнаваемые формы. Однако нового, возрожденного Климта публике увидеть было не суждено. Художник скончался в возрасте 55 лет после перенесенного инсульта.
Бремя страстей в картинах Густава Климта
О сексуальных аппетитах и темпераменте Климта ходили легенды. Одна молодая художница утверждала, что он преследовал ее до самой Венеции, чтобы добиться взаимности. Ходят слухи, что он спал практически с каждой своей натурщицей. Благо, в них у художника недостатка не было. Знатные женщины буквально выстраивались в очередь в мастерскую Климта, чтобы заполучить портрет его работы. В остальное же время пользовался услугами проституток. Он не был особенно разборчив в связях. Но если присмотреться к картинам Густава Климта, можно проследить два непохожих друг на друга типажа, которые, судя по всему, особенно привлекали художника. Роскошные рыжеволосые русалки с пышными телами («Даная») сменяются на полотнах мастера утонченными брюнетками с узкими лицами и мальчишескими фигурами (Эмилия Флёге, Адель Блох-Бауэр).
Притчей во языцех стало не только сластолюбие художника, но и его поразительная плодовитость. По разным данным, Климт стал отцом от четырнадцати до сорока детей от разных женщин. Некоторых из отпрысков он даже признал официально. Тем не менее, художник ни разу за всю жизнь не связал себя узами брака, хотя по слухам неоднократно собирался это сделать. Несмотря на довольно скромную в целом жизнь, страсть к женщинам была единственной его вредной привычкой, в которой он не мог себе отказать.
Моральный аспект художника мало интересовал, впрочем, как и вопросы здоровья. После нескольких лет общения с проститутками Климт вполне ожидаемо заболел сифилисом, одним из самых распространенных недугов в Европе конца XIX – начала XX века. Этот факт из биографии художника был обыгран в фильме «Климт» 2006 года, где он (по всей видимости, под влиянием болезни) разговаривает с несуществующими людьми и страдает от таинственных видений.
На вес золота
Несмотря на множество романов и интрижек рядом с Густавом Климтом все же неизменно находились две женщины, к которым он был особенно привязан. Первой была мать художника – Анна Климт. Она мечтала профессионально заниматься музыкой и путешествовать по миру с концертами, но этому не суждено было сбыться. Неизвестно, что именно стало причиной: то ли недостаток таланта, то ли замужество и рождение семерых детей. Как бы там ни было, в конце концов, Анна решила полностью посвятить свою жизнь знаменитому сыну. Она не выходила вместе с ним в свет и не пыталась приписать себе часть заслуг Климта, а просто тихо и незаметно жила в доме сына, заботясь лишь о том, чтобы у него всегда был горячий обед и чистая одежда. Сам художник принимал это как должное, хотя никаких особенных капризов у него не было. Увлекаясь работой, он часто забывал поесть, а любой другой одежде предпочитал традиционную синюю блузу мастера.
Была в жизни Климта и еще одна женщина, привязанность к которой он пронес через всю свою жизнь. Именно к ней он неизменно возвращался после очередного любовного приключения, именно рядом с ней находил покой. Этой женщиной была Эмилия Флёге. Они познакомились в начале 1890-х, когда брат Климта Эрнст женился на сестре Эмилии Хелене. Но уже в 1892 году Эрнст скончался (а незадолго до этого умер и отец художника), и на плечи Густава легла забота о семье, в том числе и вдове брата с маленькой дочерью. В этот период он и сблизился с Эмилией. Каждое лето они проводили вместе на озере Аттерзе, изредка вместе путешествовали (художник вообще редко покидал Вену) и проводили вместе все свободное время.
Однако Климт написал всего только пару портретов Эмилии. Отдельного внимания заслуживает полотно 1902 года. Отдавая дань любимому делу женщины (она была совладелицей модного дома «Сестры Флёге» и талантливым модельером), художник облачил ее в наряд со сложным орнаментальным узором в своем «фирменном» стиле. Но важнее в этой картине Густава Климта то, с какой тщательностью прописаны лицо и руки Эмилии. Исследователи полагают, что такая тонкая детализация говорит о том, что он знал это лицо и руки досконально.
Биографы до сих пор не могут сойтись во мнениях относительно того, какие же отношения связывали Климта и Флёге. Одни утверждают, что она была его постоянной любовницей, на которой он так и не удосужился жениться. Другие же уверены, что их связь была исключительно платонической, и именно поэтому Эмилия не родила мастеру ребенка. Как бы там ни было, отношения Климта и Флёге продлились 27 лет, и, по свидетельствам очевидцев, последними словами художника после сразившего его инсульта была просьба послать за Эмилией.
Уникальный стиль Густава Климта: глоток свежего воздуха в мировой живописи
Стиль «модерн», возникший как ответ застою, возникшему в изобразительном искусстве середины XIX века, тесно связан с именем известного австрийского художника Густава Климта. Его произведения стали глотком свежего воздуха, причём не только для австрийских почитателей. Можно без сомнения сказать, что этот человек снискал заслуженную славу мирового масштаба. В чем причина такой популярности?
Панно из трёх частей «Ожидание — древо — свершение»
Для ответа на этот вопрос взглянем на общую картину тогдашних веяний в искусстве. Классический подход к композиции картины, с его строгой геометрией и законсервированным на целые столетия набором сюжетов преподавался в десятках школ изобразительного искусства. Картины классиков, разобранные до миллиметра, служили образцом для подражания, что привело к ожидаемому кризису. Бесконечные однотипные произведения не могли вдохновить молодых талантливых мастеров, которые начали искать свои, не протоптанные дорожки к совершенству и славе.
Густав Климт, родившийся в небогатой семье ювелира, нашёл свой путь между Сциллой и Харибдой. Не пренебрегая классическим образованием, чем грешили многие молодые художники того времени, он сумел, пройдя через годы архитектурной, «украшательной» живописи, несущей вспомогательные функции, родить на свет уникальный стиль. Он сочетал плавные орнаменты, элементы искусства Японии и Египта и отточенные портреты, не уступающие по мастерству классическим шедеврам.
Густав Климт, «Адель Блох-Бауэр», одна из самых дорогостоящих картин нашего времени
Созерцая произведения Климта, не перестаёшь удивляться, с какой гармоничностью художник вписывал в декоративное окружение фигуры женщин, которых он предпочитал мужчинам, чьи лица в его произведениях обычно скрыты.
Портрет баронессы Бахофен-Эхт
Несмотря на свою популярность, Климт никогда не искал славы. Он тихо работал в своём доме, любовно пестуя свою манеру письма, которую вскоре нарекут «Сецессион», в честь основанного им в 1897 году Венского Сецессиона — сообщества молодых художников Австро-Венгрии, ищущих свою неповторимую манеру письма.
Быть может, в этом и была разгадка славы Густава. Они лишь делал то, что ему нравилось больше всего на свете, не подстраиваясь под переменчивую моду или критику тогдашнего бомонда. Тем самым он сделал подарок не только своим современникам, но и многим поколениям будущего. Давайте посмотрим на эти шедевры, многие из которых сочетают несочетаемое. Но ведь в этом и состоит их прелесть, не правда ли?
«Три возраста женщины»
О том, что популярность Густава Климта не угасла и сегодня говорит и то, что Google создал специальный дудл в день его памяти, вписав в картину «Поцелуй» собственный логотип:
Густав Климт: «Нравиться многим — зло»
«Каждому времени — свое искусство. Каждому искусству — свободу», — девиз австрийских художников, пресыщенных обветшалым, официально признанным академизмом и вдохновлённых новыми течениями в искусстве, взбудоражившими Европу конца 19 — начала 20 века. Сегодня речь пойдёт о модерне, получившем в Австрии название «Венский Сецессион» (от немецкого Secession — отделение, обособление) — австрийский вариант Югендстиля.
Общество австрийских модернистов возникло в 1887 году, объединив в своих рядах виднейших архитекторов, художников, прикладников, иллюстраторов, писателей и поэтов. В отличие от академического искусства, тяготеющего к реализму и историзму, модерн ставил во главу угла символ, ставший ядром модернистской концепции и источником художественного своеобразия. Модернисты стремились проникнуть за завесу видимой реальности, постигнув её скрытое символическое значение. Они ставили перед собой задачу обнаружить присутствие таинственного, непостижимого слоя бытия, скрытого по ту сторону привычного, и запечатлеть его с помощью мифологических образов, аллегорий, ассоциаций и символических образов. Объёмное, реалистичное представление уступило место декоративному, плоскостному, со своей собственной, весьма сложной, системой знаков, смысл которых раскрывался лишь в контексте и во многом зависел от самого зрителя, от его, так сказать, бэкграунда.
Сердцем Венского Сецессиона стал журнал «Ver Sacrum» (Святая весна), публикующий литературные и художественные работы сецессионистов, в том числе стихи Рильке и иллюстрации Климта.
«Сонеты к Орфею» Райнер Мария Рильке
перевод Карена Свасьяна
«Если ты не можешь твоими делами и твоим искусством понравиться всем, понравься немногим. Нравиться многим — зло» — Шиллер
Именно Густав Климт стал идейным вдохновителем австрийского модерна. В конце 19 века он был уже известным и весьма преуспевающим художником, имеющим «Золотой крест» за заслуги в искусстве и звание почётного члена Мюнхенского и Венского университетов. Однако традиционная живопись ему уже изрядно наскучила. Окончательный отход Климта от академизма начался в 1984, когда ему и его коллеге Францу Матчу предложили расписать Большой зал Венского университета. Дуэт довольно быстро распался — художникам не удалось договориться о единой стилистике оформления. В итоге Матч от заказа отказался и Климт в одиночестве закончил работу. Им были написаны три картины — «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция», получившие название «факультетские».
«Философия» была выставлена в 1900 году на выставке Сецессиона, вот тут-то и разразился скандал. Восемьдесят семь профессоров университета обвинили Климта в том, что он «выражает неясные идеи c помощью неопределённых форм», и обратились в Министерство образования с требованием забрать у него заказ. Дело было в том, что Климт посмел изобразить не прогрессивную сторону науки, а тёмную, теневую. «Философия» не просвещала, а заводила людей в аллегорический туман, «Медицина» вместо исцеления равнодушно отворачивалась от толпы умирающих, а «Юриспруденция» не защищала от несправедливости, а безжалостно обрушивалась на человека-жертву в лице трёх злобных фурий. И все это было сдобрено изрядной долей чувственности и откровенного эротизма. Кстати, в этом же 1900-м году «Философия» удостоилась золотой медали на Всемирной выставке в Париже. В итоге, картины-аллегории не были выставлены в Университете, их купил известный меценат Август Ледерер. К сожалению, его коллекция была безвозвратно утеряна, сгорев во дворце Иммерхоф в 1945 году. Остались только разрозненные предварительные наброски, черно-белые снимки трёх картин плохого качества и одна цветная фотография Гигеи из «Медицины», поражающая мощью и себе представить, насколько оглушительное впечатление производили утерянные полотна!
Однако не тут-то было. Чем больше разгневанные и раздосадованные мужчины старались загнать в жёсткие рамки пылкую, обнажающую самую суть жизни, кисть Климта, тем больше женщины восхищались и боготворили талант художника. Так была создана знаменитая «Галерея жён», запечатлевшая супруг местных банкиров и промышленников. Написанный мастером портрет превращал самую заурядную Грэтхен в воплощение Анимы, вечной женственности, манящей и недостижимой. Он видел в этих женщинах нечто такое, что невозможно было объяснить словами — неиссякаемый источник любви и тайны. При этом портретное сходство с моделью было практически фотографическим. За каждый портрет Климт получал кругленькую сумму, что позволяло ему не только не зависеть от официальной точки зрения на его живопись, а с успехом продолжать свои смелые поиски.
До 1905 года Климт оставался на посту главы Венского Сецессиона и продолжал изощрённо поддразнивать и искушать консервативную публику своими экстравагантными работами. На одной из его выставок известный коллекционер граф Ласкоронски, причитая: «Какой ужас!», выбежал из зала, а некоторые, особо рьяные ненавистники, выдвигали предложения судить Климта за аморальность, выслать из страны за непристойное поведение и даже кастрировать за извращённую сексуальность. Кажется, что художнику эта реакция напыщенно добропорядочных сограждан доставляла некоторое удовольствие, и он продолжал волновать закосневшие в жёстких рамках пуританской морали умы и души. Очередное полотно Климта, названное «Моим критикам», ясно продемонстрировало его отношение к нападкам и хуле — передний план картины занимал роскошный женский зад. После выставки картине дали менее провокационное название «Золотые рыбки».
Однако в 1905 году Климт не только потерял всякий интерес к баталиям вокруг «непристойной эротичности» его работ, но и разошёлся во взглядах на искусство с представителями Венского Сецессиона. Он оставил пост главы общества, основал Союз австрийских художников и, вдохновлённый византийскими мозаиками, круто изменил свою творческую манеру, положив начало прославленному «Золотому периоду» Густава Климта. Вот и пригодились полученные им в юности навыки ювелира! Теперь портреты Климта больше похожи на иконы в роскошных золотых окладах. В тончайших переплетениях золотых нитей делаются неразличимыми несущественные детали, мерцающий золотой орнамент поглощает детали интерьера, одежду, гипнотически притягивая к себе взгляд зрителя. А из этого переливающегося великолепия проступают женское лицо, запечатлённое с безупречной, почти фотографической, точностью и прихотливая, нервная линия рук модели. Натурализм и эротичность живой плоти усмиряются византийской роскошью мозаичной плоскости окружающего пространства.
Густав Климт, пожалуй, один из немногих художников начала 20 века, кто не оставил автопортрета. В написанном им «Комментарии на несуществующий автопортрет» есть такие слова: «Меня гораздо меньше интересую я сам в качестве предмета картины, чем другие люди, прежде всего женщины… Во мне нет ничего особенного. Я художник, пишущий день за днём с утра до ночи… Кто хочет что-нибудь обо мне знать… должен внимательно рассмотреть мои картины». Густав Климт вглядывался в женщин, как в зеркало, извлекая из каждого увиденного им лица черты своей собственной души.
В его живописи и графике ярко прослеживаются характерные черты сецессионстиля — мозаичная многоцветность и изощрённая орнаментальность, сочетающиеся с геометрической ясностью рисунка. Он одним из первых нашёл ход, позволяющий визуально изобразить эффект «чистого движения», бесконечные метаморфозы всего и вся и перетекание друг в друга различных видов энергии — весьма популярную в то время тему. Металлические и перламутровые вставки, аппликации из фольги и мозаики, органично включённые в живописное полотно, «выплёскивание» изображения за пределы холста, на раму — воплощают собой знаменитый принцип пластической непрерывности, ставший визитной карточкой Климта. Художник внёс заметные изменения и в традиционное построение композиции, центром которой стали не лица и фигуры персонажей сюжета, а спирали и волны — детали драпировок, орнаменты, иероглифы и знаки. Эти новые художественные приёмы порождают абсолютно иное восприятие изображения — на картинах Климта запечатлены не конкретное событие, точка в пространстве или момент времени, а вечное, непрекращающееся движение всего и вся, перетекание материи из одной формы в другую, вращение колеса бытия, не останавливающееся ни на одно мгновение. Рождение, расцвет, угасание, умирание и снова рождение…
Густав Климт скончался в зените славы 6 февраля 1918 года. Его работы с непреходящим успехом продавались и после смерти автора, постоянно возрастая в цене. К середине ХХ века все знаковые полотна осели в государственных галереях.
Однако, скандальная слава, бушующая когда-то вокруг полотен художника, не угасла, вспыхнув с новой силой, правда уже совсем по другому поводу. В 2003 году мировой арт-рынок потрясло небывалое сообщение — Американский суд принял в производство заявление гражданки США Марии Альтман против Австрийской республики. 76-летняя истица требовала передать ей пять полотен Густава Климта, хранящихся в Австрийской галерее и принадлежавшие ей по праву наследства. Событие получило небывалую огласку из-за того, что среди спорных картин была жемчужина Венского Сецессиона — австрийская Мона Лиза, «Портрет Адель Блох-Бауэр», написанный Климтом в 1907 году. Мадам Альтман ни в какую не соглашалась уступить картины австрийскому правительству, несмотря на предложенную ей баснословную сумму в 100, а затем и в 200 миллионов долларов. Она потребовала не много ни мало 300 миллионов, и в 2006 году канцлер Австрии был вынужден официально объявить о прекращении переговоров и отказе государства от приоритетного права выкупа, в результате чего 5 полотен австрийского живописца покинули Вену и отправились за океан.
Так что судьба, в некотором роде, сыграла с живописцем злую шутку. Слова Шиллера, выбранные Климтом своим девизом: «Если ты не можешь твоими делами и твоим искусством понравиться всем, понравься немногим. Нравиться многим — зло», теперь не особо относятся к творчеству самого Климта. Сегодня он один из самых растиражированных художников 20 века, принты с изображениями его картин можно встретить где угодно — на чашках, плошках, бижутерии, аксессуарах, постельном белье, обоях, обложках книг, ковриках для мыши и чехлах для всего и вся.
Густав Климт — мастер модерна
Чтобы ответить на вопрос, в чем же загадка Густава Климта, что завораживает и сегодня в его искусстве, нужно обратиться к тому периоду, в котором жил и творил художник. Рубеж веков. Рубеж и ломка социальных границ. Рубеж сознания людей. Творческий порыв и ощущение трагедии, неизбежное в эпоху, когда рушится старый и создается новый мир, в чем-то прекрасный, в чем-то пугающий. Я люблю ХХ век, и особенно его начало. ХХI в сравнении мне кажется бледным, но, возможно, «большое видится на расстоянии». Люблю искусство этого периода. Но я не хотела бы жить в эту эпоху перемен. И с тем большим уважением отношусь к тем, кто не просто жил, но и творил, пытаясь удержать и передать красоту окружающего мира.
Новый стиль «модерн» окончательно оформился к началу 90-х годов XIX века. Его появление было встречено с необычайным энтузиазмом. Представители разных видов искусства сразу увидели его творческие возможности и устремленность в будущее. По-французски название нового стиля звучало «ар нуво» (Art Nouveau — новое искусство); не менее многозначительны названия нового стиля в Германии — «югендштиль» (от немецкого Jugend — молодость, по названию журнала) и в России — «модерн» (в переводе с французского moderne — новейший, современный).
Однако претензии основоположников модерна на абсолютную новизну и полное забвение искусства прошлого несколько преувеличены. Новый стиль возник не в одночасье и не на пустом месте. Он складывался из множества тенденций и направлений, среди которых не последнее место занимало и обращение к историческим стилям. На начальном этапе формирования модерна особенно ощутимо влияние готики. Творчество художников модерна не избежало и влияния искусства других эпох — крито-микенской культуры, своеобразной пластики этрусков, красоты форм и орнаментики кельтских вещей, итальянского маньеризма конца XVI века. В эпоху модерна обращение к искусству прошлого носило принципиально иной характер, чем в предшествовавший период. Оно заключалось не в заимствовании элементов каких-то определенных стилей и воспроизведении исторических образцов, а в синтезе разных культур, обобщении художественного опыта предыдущих поколений. Заметное влияние на стиль модерн оказало также знакомство Европы со Страной восходящего солнца, которая долгое время была закрыта для европейцев. Утонченное мировосприятие японцев, культ природы, изысканная декоративность костюма и окружающих их вещей, завораживали художников и не могли не овладеть их воображением.
Новый стиль заявил о себе в начале во Франции и в Германии, а затем почти одновременно в Бельгии, Англии, Австрии, Скандинавских странах и в России. Он охватил многие сферы художественной деятельности. Можно условно разделить модерн на два периода: в первом преобладали флоральные мотивы, плавные изогнутые линии, во втором – акцент был сделан на геометрию. К началу XX века флоральное течение модерна достигло апогея своего развития. И хотя отдельные проявления этого стиля встречались вплоть до 1914 года, формы стали менее изощренными, а волнистые линии заменил геометризированный декор. В архитектуре и произведениях декоративно-прикладного искусства позднего модерна уже прослеживались черты конструктивизма.
Проявил себя модерн и в моем родном городе, который городом, собственно и становился на рубеже XIX-XX веков. Например:
Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, творцы эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.
Имя известного австрийского художника, графика и книжного иллюстратора Густава Климта (1862-1918 года) неразрывно связано со стилем модерн, и его картины – самое яркое его проявление. Климт был одним из самых интересных и востребованных представителей мирового изобразительного искусства. Он никогда не стремился демонстрировать публике свою исключительность. Работал он тихо, спокойно, делал только то, что считал необходимым: «Твои дела и твое искусство не могут нравиться всем: делай, что считаешь правильным, для блага немногих. Нравиться слишком многим — плохо». А между тем, на свете было не так много мастеров, которые были бы так обласканы публикой, осыпаны заказами и не испытывали материальных затруднений. В этом одна из загадок Климта.
Климт родился в семье гравёра и ювелира недалеко от Вены. Отец не мог добиться достатка с помощью своего ремесла. Из бедности семья выйдет только после того, как Густав, окончив Школу декоративного искусства, вместе с братом Эрнстом и другом Францем Матчем создаст фирму по выполнению художественных и декоративных работ. В течение нескольких лет, пока существовала фирма, Климт завоевал славу лучшего в Австрии живописца-декоратора. Однако, художник не был доволен собой, своим стилем.
Первые черты его неповторимого стиля проявились в росписях большой лестницы венского Музея истории искусств, созданных в 1890-1891 годах.
Кардинальное обновление живописи Климта состоялось в 1895 году, с уходом от псевдореализма, на смену которому пришли «видения». Также обычное использование в произведениях трехмерного пространства, уступило место плоскости. После композиции «Любовь», продемонстрировавшей эти изменения, появилась «Музыка I», картина, подтверждающая приверженность автора новому стилю.
Начался «золотой» период в творчестве Климта. Он пишет огромное количество картин, на которые, взглянув однажды, не забудешь никогда. Пишет обнажённые, откровенно чувственные тела («Подруги», «Адам и Ева»), напряжение чувств между двумя возлюбленными («Любовь», «Поцелуй»).
Картина «Поцелуй» является одним из самых известных произведений Густава Климта. Оно относится к «золотому» периоду творчества художника в прямом смысле слова. Название «золотой» связано прежде всего с техникой работы, которая преобладала в это время. Климт активно использовал оттенки золотого, работал с сусальным золотом.
В 1897 году Климт возглавил Сецессион – объединение художников, созданное в противовес официальному искусству.
Начало Венскому сецессиону положили Густав Климт, Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Йозеф Мария Ольбрих, Вильгельм Лист и Макс Курцвайлем. Эта группа художников ориентировалась в своем искусстве на историзм. Придерживаясь своей политики, они знакомили венскую публику с французскими импрессионистами, музыкантами прошлого: «Мы хотим объявить войну стерильной рутине, неподвижному византинизму, всем видам плохого вкуса… Наш «Сецессион» не является борьбой современных художников со старыми мастерами, но борьбой за успех художников, а не лавочников, которые называют себя художниками, но при этом их коммерческие интересы мешают процветанию искусства». К значительным заслугам художественной группы относят её выставочную политику, благодаря которой венской публике стали известны французские импрессионисты.
Постер к первой выставке сецессиона
Стиль «Ар-нуво» — то, чего придерживались венские художники. Для того, чтобы их идеи распространялись, с ними знакомилась большая аудитория, Густав Климт и его единомышленники начали выпускать журнал, который получил название «Ver Sacrum». Первый номер этого журнала, перевод названия которого звучит как «Священная война», вышел из печати в 1898 году.
На этом деятельность группы Венских сецессионистов не ограничилась. Спустя еще четыре года они открывают Венские мастерские, которые представляли собой своеобразные собрания художников. Собирались эти художников с одной целью – реформация художественного ремесла.
В 1900 году Г. Климт приступил к работе, предложенной Венским университетом, и представил роспись одного из плафонов – «Философия». Тогда то и разразился скандал. На этом плафоне, а потом и на следующих – «Медицина» и «Юриспруденция» – художник нарушил все законы колорита и композиции, сочетая несочетаемое. На его панно человек предстает рабом своего естества.
Такой Климт и шокировал, и очаровывал. Но скандал закончился тем, что художник, взяв денег взаймы, вернул университету аванс, а работы оставил себе. Заказов было так много, что это позволило ему быстро вернуть долг и в дальнейшем вообще не думать о деньгах.
Особую известность получила 14 выставка Сецессиона 1902 года, которая была посвящена Людвигу Ван Бетховену. Выставка была организована Йозефом Хоффманом. В центре размещалась статуя Бетховена работы Макса Клингера, которую окружал «Бетховенский Фриз» Г. Климта.
Перед музыкальными творениями великого композитора Людвига Ван Бетховена преклонялся не только Климт, но и многие художники того времени и члены Сецессиона, выражая свое восхищение творчеством композитора, устроили выставку, приурочив ее к открытию памятника великому гению, работы скульптора Макса Клингера. Достойным обрамлением памятника композитору должен был стать фриз, и Климт, приступая к работе над ним, решил, что интерпретировать бетховенские образы, созданные композитором в Девятой симфонии, лучше всего через язык живописи; идея музыкального произведения заключалась в раскрытии тайны достижения счастья и любви через преодоление страданий. При работе над фризом использовались дорогостоящие материалы, хотя и предполагалось, что он будет временным. Знания, полученные Климтом в художественно-ремесленном училище, а также унаследованные от отца-ювелира навыки работы с металлами, очень пригодились художнику во время работы над произведением. Созданные живописцем двухметровые картины-фрески, органично перекликались по манере со скульптурой, выполненной Клингером, при этом общая длина фриза составила 34 метра.
Еще одна известная работа Г. Климта — фриз обеденного зала дворца промышленика Стокле в Брюсселе. Эта работа предоставив шанс на практике защитить идеи Сецессиона, для которого разделение искусства на «чистое» и «функциональное», считалось неприемлемым. Мозаика для обеденного зала в стиле модерн, была бы отличным дополнением к архитектуре дворца, задуманной в соответствии с этим направлением. Византийская мозаика, заворожившая в свое время Климта, пригодилась ему очень кстати и теперь. Композиция состоит из девяти элементов с мозаичным триптихом по центру: «Ожидание», «Древо жизни», «Упоение». В «Ожидании» танцующая девушка уже не имеет ничего общего с роковыми моделями Климта. «Японские» черты этого образа вызваны вкусами и пожеланиями семьи Стокле, во владении которой было много предметов восточного искусства, поэтому для гармонизации помещений такая стилистика картины была выбрана не случайно. Знаменитое «Древо жизни» – картина, одно название которой порождает массу эмоций, несмотря на любую интерпретацию сюжета: от библейского Древа познания, символизирующего наивысшую мудрость, до «мирского» генеалогического дерева.
Создание фриза пришлось на золотой период, наступивший у Климта после поездки в Италию, и его можно назвать «золотым» во многих отношениях: произведения обрели художественную ценность благородного металла, а мастер не жалел золота для своих шедевров. В творческой карьере Климта это был последний крупный заказ.
Несмотря на то, что именно Густав Климт был инициатором создания Венского сецессиона, разногласия, собственное видение искусства, заставили его покинуть сецессион. Общественная деятельность художника на этом не закончилась. В 1906 году в Вене появляется Союз австрийских художников, который обязан своим появлением Густаву Климту. Основную цель, которую поставили перед собой члены союза – это поддержка молодых, еще только начинающих художников.
Большое место в творчестве Г. Климта занимал образ женщины. Для эпохи модерна было характерно соотнесение мужского и женского начала, жиэни и смерти, Востока и Запада и так далее. Но Климту удалось совершенно по-новому отразить образ женщины. Портреты женщин по заказу (портреты Сони Книпс, Фрицы Ридлер, Адели Блох-Бауэр, Евгении и Меды Примавези, Фредерики Марии Биер и других). В любом случае проявляется личное видение окружающего мира и человека в нём. Женщина в центре внимания Климта. Их много, женщин Климта. Очаровательные лица, прически, руки, украшения, но платья и фон, как в волшебном калейдоскопе, превращаются в неповторимую сказочную декорацию. Именно так он видел человека, его красоту, слабости, страхи и страсти.
Фредерика Мария Биер
И, конечно, Эмилия Флёге
Художник писал и пейзажи для себя. Так он отдыхал. Может поэтому критики долгое время обходили их своим вниманием. Сегодня его пейзажная живопись признана лучшей частью его творчества. «Цветущий сад», «Деревенский сад с подсолнухами», «После дождя», «Поляна с маками», «Берёзовая роща» почти реалистичны. Почти, потому что налет декоративности присутствует и в них, делает пейзажи легкими, призрачными, воздушными. Возможно, это другая сторона личности художника: простота, спокойствие и легкость, которых так не хватает человеку с его страстями.
Сельский сад с подсолнухами